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miércoles, 23 de marzo de 2011

LAWRENCE HALPRIN (1916-2009)


Halprin Mounds, es un parque de Lawrence Halprin en Portland. Éste destaca por el uso de un conjunto de formas abstractas, la tierra es usada para crear montículos, los árboles son énfasis verticales que sobresalen como contraste. Definitivamente es como una escultura abstracta con los materiales del paisajista.


LAWRENCE HALPRIN

Se reconoce a este arquitecto de paisaje como uno de los más destacados de la era moderna porque tenía su propio sello en la forma peculiar de concebir y conectar con los espacios exteriores. Prestaba suma atención a la escala humana y a la experiencia del usuario al vivir y disfrutar el paisaje propuesto. Era consciente de que cada diseño tenía un impacto social y tenía como prioridad las necesidades del usuario. “Su filosofía del espacio le llevó a poner los paisajes a disposición de todos los segmentos de la sociedad”. (1)
Arquitecto paisajista, teórico y profesor, Lawrence Halprin nació en Nueva York en 1916, creció en Brooklyn. Después de graduarse de la secundaria  vivió por tres años en un kibutz en Israel. En 1935 empezó sus estudios en la Universidad Cornell en Ciencias Botánicas. Posteriormente prosiguió sus estudios avanzados en la Universidad de Wisconsin donde recibió un Máster de Ciencias de la Horticultura en 1941. Mientras vivió en Wisconsin, visitó con frecuencia Taliesin East, la casa estudio de Frank Lloyd Wright y decidió estudiar la arquitectura centrándose en el paisaje. Estudió arquitectura de paisaje en Harvard bajo la tutela de Walter Gropius y Christopher Tunnard donde se graduó en 1942 con una licenciatura en arquitectura del paisaje. Trabajó como aprendiz con Thomas Church, el destacado arquitecto que desarrolló el concepto del jardín contemporáneo de California. Halprin abrió su propia oficina en 1949.
Se casó con Ana Schuman, una estudiante de danza avant-garde cuyo trabajo logró desempeñar un papel significativo en las ideas de Halprin sobre el movimiento en el paisaje, así como sus nuevas técnicas gráficas para representar la experiencia del paisaje. Su propuesta sobre "la coreografía de los Jardines", explora la relación entre el "movimiento" y la arquitectura de paisaje. En un escrito de 1949, llamó a menudo sus diseños como "coreografías", y dijo que un jardín es como "el fino sentido de la danza". Estudió durante mucho tiempo a la gente al "moverse" en los espacios públicos, y se acuñó la palabra "motation" (movimiento y notación) para describir su sistema de trazado de circulación por el espacio con un sistema de notación que algunos dicen que parecen jeroglíficos, o incluso un tipo de música. Halprin proyectaba su trabajo a partir de su atención y respeto por la escala humana, la experiencia del usuario, y el impacto social que podían tener sus diseños.
Como Halprin escribiera en 1981:
"El espacio es la coreografía para el movimiento con los nodos de silencio y la contemplación, la acción y la inacción, duro y suave, Yin y Yang."
El consideraba el proceso del diseño tan importante como el resultado final, para esto desarrolló una metodología diseño en la que incluía la participación del cliente. Su presentación final incluía maquetas y las imágenes que fueran requeridas.




Lawrence Halprin: la Coreografía de los jardines

A mediados de los años 60, después de algunos viajes a Europa, Lawrence Halprin y Asociados fueron conocidos más por sus proyectos urbanos que por los que desarrolló en zonas suburbanas, como el diseño y construcción de  Ghirardelli Square (1962-1968) y  Embarcedero Plaza (1962-1972), ambos en San Francisco; Nicollet Mall, Minneapolis (1962-1967); Park Central Square, Springfield, Missouri (1969-70); cuatro de los espacios públicos de  Portland: Lovejoy Plaza, Pettigrove Park, Auditorium Forecourt, y el Transit Mall (1965-1978); y Freeway Park, Seattle (1970-1974). Desde 1976 era socio de Sue Li Yung Ikeda.

Fuente Ira Keller diseñada por Lawrence Halprin

Estos proyectos, donde él reafirmó el papel del arquitecto de paisaje en la regeneración de la ciudad americana, hicieron que los espacios sociales y peatonales fueran vitales en sitios que con anterioridad eran marginales; tales como complejos industriales históricos o los espacios sobre o debajo de autopistas.  Al hacer esto se, re-imaginaba un dominio de lo público para las ciudades americanas que habían sido despejadas por programas federales de renovación urbana y sin embargo abandonados para los nuevos desarrollos suburbanos.
Una de sus obras emblemáticas es el monumento dedicado al ex presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt. El Memorial Roosevelt es un monumento conmemorativo, dedicado tanto a la figura presidencial como a la época que representó. Cuenta con un espacio de 30.000 metros cuadrados.
Fue un profesional prolífico durante toda su vida, fue un paisajista líder en la planificación del medio ambiente que estuvo siempre a la vanguardia de la innovación en el diseño urbano en los Estados Unidos. Su práctica incluye un innovador catálogo de diseño ambiental en proyectos urbanos que están en el interior de los Parques Nacionales. Su reputación se basa en una obra continua de más de cincuenta años de ampliar las expectativas del paisajista en el ámbito del medio ambiente. Halprin cosechó numerosos premios como la Medalla Thomas Jefferson en la Arquitectura y la Medalla Nacional de las Artes como un homenaje del Presidente de los Estados Unidos.
(1) http://www.enmemoria.com/obituarios/lawrence-halprin.html


С - Libre la reproducción de textos completos o partes de él, fotos y gráficos, siempre que se realice sin fines de lucro y se mencione al autor del artículo (o al colaborador).

lunes, 7 de marzo de 2011

CHRISTOPHER TUNNARD (1910-1979). PRECURSOR DEL MOVIMIENTO MODERNO DE PAISAJISMO

Arquitecto-Paisajista
Guillermo Chaves Hernández



La obra de CHRISTOPHER TUNNARD es vital para entender el Movimiento Moderno en Europa y su posterior introducción en América. Tunnard fue el primer autor británico que impulsó la conexión entre el arte moderno y el diseño de paisaje. Es una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la arquitectura del paisaje y sus planteos teóricos aún resuenan en la actualidad en nuestra disciplina. Escribió un texto que resultaría clave para entender las bases teóricas y nueva gramática formal del jardín contemporáneo Gardens in the Modern Landscape  (Los jardines en el paisaje moderno). El origen de este libro se encuentra en una serie de artículos que escribió en 1938 para la Architectural Review, que atrajeron una considerable atención. Dicho documento se centraba en la identificación de las posibles tendencias de un jardín moderno, de vanguardia para la época, debido a los avances tecnológicos y científicos y a las necesidades económicas imperantes. Básicamente propone tres orientaciones. La primera es la concepción social del paisaje; dice que por lo menos en los alrededores de las residencias deben ser proyectados de acuerdo con las necesidades humanas y otros planteos para integrar el medio de una razonable. La segunda es la concepción asimétrica, que para él no implica necesariamente irregularidad como en el jardín paisajista, se puede aplicar al equilibrio asimétrico en una composición regular (como se hacía en arquitectura), y más que eso, el jardín debería satisfacer el sentido de empatía con la naturaleza. La tercera es la reconsideración del ornamento, Tunnard apunta a las lecciones que puedan aprenderse de las artes plásticas sin que sea un traspaso literal de los lenguajes de vanguardia. Este libro se convertiría en un texto de referencia obligada para los interesados en las nuevas tendencias, y fue a menudo recomendado.



Los diseñadores paisajistas que estudiaron y se entrenaron por los años 50 lo consideraban como, “el único libro que teníamos”. Tunnard abre con esta aseveración “un jardín es un trabajo de arte” y se revela como el verdadero abanderado del movimiento moderno. Una escultura de Henry Moore en uno de sus jardines le inspira a escribir: “Lo mejor de la arquitectura contemporánea está estrechamente relacionado con lo mejor de la escultura moderna y la pintura constructivista, porque los arquitectos, escultores y pintores constructivistas están en contacto por escrito o personalmente el uno con el otro ".



Nació en Victoria, Columbia Británica, Canadá y realizó su educación básica en este país. Recibió parte de su educación superior en el Victoria College de la Universidad de British Columbia, se graduó de la Escuela de la Sociedad Real de Horticultura en Wisley, y en 1930. De 1932-1935 trabajó como diseñador de jardines para Percy Cane, un exponente del movimiento Arts and Crafts. Luego se embarcó en una gira por Europa, donde comenzó a interesarse por el arte de vanguardia y la arquitectura. En 1936, inicia su propia práctica de la arquitectura del paisaje de Londres. Tunnard evaluó sus principios, como lo haría en varias etapas de su carrera, y en la década de 1930 rechazó las premisas del movimiento Artes y Oficios en favor de la modernidad.
En 1935 Publicó un artículo sobre los jardines japoneses en Landscape and Garden donde dijo que la carencia de ornamentos superfluos tiene que “apelar especialmente a la mentalidad moderna de todos los países”.
Antes de la Segunda Guerra Mundial, Tunnard fue el primer autor en escribir sobre el Paisajismo Moderno en el idioma Inglés. El efecto de los escritos de Tunnard tuvo una corta duración en Europa por la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Se impactó por las fuerzas destructivas de estos conflictos y se propuso colaborar con la reconstrucción post-guerra. Fomentó el diseño de construcciones socialmente responsables. Por invitación de Walter Gropius, emigra a Los Estados Unidos para enseñar en la Escuela Superior de Diseño de Harvard donde sus teorías más tarde se convirtieron en el catalizador de lo que puede denominarse como el Movimiento Moderno Anglo-americano en la arquitectura del paisaje.
Tunnard creía que los diseñadores de jardín debían “volver al funcionalismo” y utilizó citas de Le Corbusier: “Los estilos son mentira”, y de Adolf Loos: “Hay que encontrar la belleza en la forma misma en vez de depender del ornamento, esa es la meta a la cual la humanidad debe aspirar”. Creía sobretodo que: “La casa moderna requiere alrededores modernos, y en la mayoría de los casos el jardín del hoy no satisface esta necesidad”. (2)

Este es un jardín de Christopher Tunnard que fue redescubierto en Newport, Rhode Island. Fue mencionado y se muestra en los Modern Gardens: Masterworks of International Garden Architecture de Frederick A. Praeger, Nueva York, 1954. Es posible que éste sea el único jardín sobreviviente de Tunnard, que influyó en notables diseñadores como Philip Johnson y Lawrence Halprin. http://gardendesignmag.blogspot.com/2009_06_01_archive.html

En 1937 fue co-autor de  un manifiesto sobre el diseño de paisaje y su devenir en el siglo XX junto con Jean Canneel-Claes (1909-1989), arquitecto de paisaje belga, en el que proclamaron: el  AIAJM: A Manifesto for Landscape Modernity. AIAJM son las siglas de Association Internationale des Architectes de Jardins Modernistes. Este documento, según analiza Dorothée Imbert (1), resultaría como un indicador de la profesión del paisaje en Europa Occidental durante la década de 1930. El AIAJM proyecta una visión ambiciosa de la arquitectura del paisaje para el siglo XX. Trató de abordar la democratización del paisaje, establecer un diálogo con los arquitectos, y de dimensionar el medio ambiente urbano. Su mensaje era para alinear el discurso de la arquitectura del paisaje con la teoría de la arquitectura y sirvió como un manifiesto para una práctica moderna de un paisajismo emergente. El AIAJM y su manifiesto arrojan luz sobre un capítulo poco estudiado de la historia del paisaje del siglo XX, y sobre la relación entre dos figuras que iniciarían la fundación del arquitecto paisajista moderno: Jean-Canneel Claes y Christopher Tunnard. La Segunda Guerra Mundial impidió ideales de la asociación de países de Europa, el AIAJM no duró más allá de la Segunda Guerra, aunque fue un precursor de la Federación Internacional de Arquitectos Paisajistas (IFLA), creado después de una década desde la creación del AIAJM y plantea cuestiones que se han mantenido vigentes al día de hoy: identidad profesional, la especialización y la conexión entre el paisaje, la arquitectura y urbanismo. (Hasta aquí la traducción libre del resumen de Dorothée Imbert) (1)
Estos intelectuales se posicionaron como figuras importantes en la confluencia de arte, arquitectura y urbanismo en el siglo XX y abrieron nuevas vías para comprender la relación de la modernidad con los jardines, la naturaleza, y la ciudad. El manifiesto tenía este párrafo en su inicio:
“creemos en la probidad del acto creativo... la confianza del diseñador en su propio conocimiento y experiencia y no en el simbolismo académico de los estilos o de los sistemas anticuados de estética, para crear por experimentación e invención nuevas formas, las cuales son significativas para la época de la cual surgen. (2)
También fue profesor de Planificación Urbana en la Universidad de Yale, pero su libro Gardens in the Modern Landscape fue reeditado en 1948 y tuvo una influencia considerable sobre los diseñadores de la posguerra en Inglaterra y América. Sus publicaciones en el área de la planificación urbana incluyen artículos tales como Súper-ciudades de Estados Unidos  y una serie de libros sobre el diseño de la ciudad en los EE.UU., el más conocido es probablemente el Man-made America - Chaos or Control? (1963), coescrito con Boris Pushkarev.
Entre los años 1950 y 1970 estuvo en la vanguardia del movimiento para salvar la ciudad, convirtiéndose en un aclamado autor que simpatizaba con la preservación de obras patrimoniales. Con su trabajo demostró su creciente interés en la historia y los aspectos escénicos de los genius loci regionales. Tunnard fue uno de los artífices de la Carta de Venecia, el documento con el cual se funda el Comité Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS). También uno de los fundadores de la comisión de preservación histórica de New Haven. Participó en el equipo de la UNESCO que recomendó la preservación de los recursos culturales y naturales del valle de Katmandú. Él documentó este trabajo en su último libro, World with a View, Mundo con vistas (1978). Murió de cáncer en 1979. Con una vida dedicada a su profesión, Tunnard cerró el círculo, se identifica con la conservación y se orienta hacia la preservación del patrimonio, y la revitalización de las ciudades que, al final eran la antítesis del movimiento moderno. (3)
(3) http://tclf.org/pioneer/biography-christoper-tunnard

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miércoles, 2 de marzo de 2011

FLETCHER STEELE (1885 - 1971), PAISAJISTA

Arquitecto-Paisajista
Guillermo Chaves Hernández


Nacido en Rochester, Nueva York, Fletcher Steele es el arquitecto de paisaje norteamericano más influyente entre los años 1920-1930 ya que en su obra queda reflejada la transición de las Beaux Arts al estilo Arts and Crafts y finalmente al Moderno. El caso de Fletcher Steele es excepcional ya que, para la profesión de arquitectura del paisaje, sus diseños representan un puente entre estos períodos. Él adquirió una buena formación en diseño, y tenía un gran talento, por lo que es una figura clave para entender el devenir de la profesión en la época. Su obra es muy basta y se le acreditan el diseño y la creación de más de 700 jardines desde 1915 hasta la hora de su muerte. Fletcher Steele se graduó del Williams College. Se unió, siendo muy joven, a la edad de 22 años, a la Escuela Superior de Arquitectura del Paisaje de la Universidad de Harvard en 1907 , donde Frederick Law Olmsted, Jr. fue uno de sus profesores.  En sus dos años en Harvard Steele consideró que "el más grande de los profesores que había allí era Denman Ross, que compensaba por mucho el tiempo perdido de más". Ross enseñaba teoría estética, no arquitectura de paisaje. Se mantuvo como su amigo después de que su alumno dejara Harvard. Steele abandonó esta universidad al aceptar un puesto como aprendiz con Warren H. Manning.
En 1913, Steele se embarcó en una gira de cuatro meses por Europa para estudiar los diseños de los jardines más importantes de varios de sus países. A su regreso a los Estados Unidos, abrió su propia oficina de diseño paisajista.  Sus planos iniciales estaban estructurados con base en el estilo Arts and Crafts Inglés. Se puede comprobar en el uso de detalles artesanales al estilo de Gertrude Jekyll, Reginald Blomfield, y T.H. Mawson pero eran aun más adornados ya que utilizaba también detalles de estilo italiano.
Su conversión al estilo Art Deco comenzó en 1925 cuando visitó la Exposición Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (la “Art Deco Exposición”) y vio sus ejemplos de los jardines cubistas, hechos con materiales innovadores como espejos, hormigón y grava de color.  En 1930 Steele escribió mostrando un gran entusiasmo por las obras de vanguardia de André Véra, Tony Garnier (arquitecto), y Gabriel Guévrékian. Los diseños de Steele y sus escritos de este período fueron factores que influyeron durante la transición de estilo Art Deco a la Modernidad en su país.  Ayudó a dar a conocer el Estilo Moderno entre los estudiantes de paisajismo más jóvenes de Harvard, en particular; Dan Kiley, Garrett Eckbo, y James C. Rose, para los que Steele abrió un nuevo camino y mostró las posibilidades del arte moderno y su creatividad inherente en el proceso de diseño. 
Dan Kiley escribió más tarde que "Steele fue el único diseñador con buenos trabajos durante los años veinte y treinta, también el único que estaba realmente interesado en cosas nuevas."
Garrett Eckbo señaló que "Fletcher Steele fue la figura de transición entre la vieja guardia y los conceptos modernos. Me interesó siempre porque era un experimentador".
Este fue el inicio de la primera ola del modernismo en la arquitectura de paisaje estadounidense. Empieza en 1929 con un revolucionario diseño de Fletcher Steele de un anfiteatro con marcado un eje visual a la Bahía, es el  Anfiteatro Camden en Maine.
Esta fue la única Comisión pública Fletcher Steele. Es valorado como una herencia patrimonial en Maine, que es importante por ser el primer diseño modernista en Estados Unidos. Sus detalles más innovadores son: el eje inclinado en relación a la biblioteca, el puerto, la geometría nítida en el uso de las formas, y los detalle artesanales únicos que se exhiben en este original diseño de Anfiteatro. Steele fue de los diseñadores únicos en su tipo, se preocupaba obsesivamente sobre el acabado de sus diseños, y desarrolló una relación de largo plazo con sus clientes, muchos de los cuales se convirtieron en amigos de toda la vida.


La mayoría de los jardines de Steele han desaparecido, sustituidos por urbanizaciones y parques de estacionamiento. Sólo hay dos que aún están abiertos al público, Naumkeag, que fue su jardín más ambicioso, cuya creación se extendió alrededor de 3 décadas, y los jardines de la Mission House, ambos están en Stockbridge, Massachusetts.

Jardines de Naumkeag
mapa de Naumkeg website

Naumkeag tiene uno de los jardines más impresionantes e imaginativos, está situado en Stockbridge, Massachusetts. La casa de campo es también una obra patrimonial importante, tiene 44 habitaciones. Tuvo un jardín inicial diseñado por Nathan Barrett. La residencia se encuentra rodeada por 3.2 hectáreas de jardines en terrazas. Cuando Mabel Choate heredó la casa desarrolló los jardines con Fletcher Steele como su arquitecto paisajista. A partir de 1926, y entre los dos, colaboraron para transformar sus jardines durante un largo período de treinta años. Según se cuenta, los dos; Mabel y Fletcher, eran muy aficionados a un buen martini y pasaban muchas tardes en el jardín que él estaba diseñando, sentados en un par de sillas de piedra, bebiendo y hablando. Esta era la manera en que se concretaban los siguientes proyectos en el jardín. Después de varias copas, y antes de que terminara el día, Mabel llamaba a alguien de su personal para que trajera su talonario de cheques y así comenzaba el proyecto siguiente.

Las escaleras azules son la característica más reconocible de los jardines de Naumkeag en Stockbridge, Massachusetts. http://www.esf.edu/la/research/steele/Naumkeag.htm

Su obra en este jardín incluye el Jardín de la tarde, el Jardín chino con una Puerta de la Luna y la Escalera Azul. Este último es el rasgo distintivo y más famoso del jardín. Un tramo de escalera con forma de arcos azules y una barandilla blanca de estilo Art Deco asciende a través de abedules blancos. La propiedad cuenta con más de tres hectáreas de jardines en terrazas rodeados por diez y seis hectáreas más de arboledas, prados o pastizales que se despliegan hasta el río que atraviesa el Housatonic Valley. Steele creó una serie de compartimentos al aire libre que hoy se reconocen como el testamento de esta colaboración y la sensibilidad estética con la que Steele diseñó sus obras. Se puede reconocer a través de esta obra las características formales y renovadoras del Art Deco.


Su primer jardín de este estilo es para Helen Ellwanger, utiliza un material nuevo y revolucionario para el paisajismo, el concreto. Forma una diagonal de audaces pasos curvados sobre una terraza formando un patrón intrincado. Steele utiliza la geometría, las curvas y contra-curvas en contraste con las líneas rectas. Este jardín en las colinas de Berkshire de Massachusetts hizo emanar su confianza en sus renovadoras propuestas y a la vez mostrar su originalidad. Este sería el impulso que se necesitaba para que entre los años veinte a los cincuenta, los jardineros norteamericanos empezaran a salir a conocer su propio territorio y establecieran su versión propia del diseño moderno. Para los historiadores lo más valioso que podemos rescatar es;  “la capacidad de Steele de mirar hacia adelante y también hacia atrás, así como ser capaz de utilizar las ideas y los detalles del pasado como inspiración para crear el nuevo, esto es lo que le hizo tener tanto éxito entonces y por eso es tan atractivo ahora.” (2)
El donó sus documentos profesionales a la Sociedad Americana de Arquitectos Paisajistas (ASLA), que los archivó en sus bibliotecas, de modo que su trabajo puede ser estudiado hoy.





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martes, 1 de marzo de 2011

BEATRIX JONES FARRAND - ARQUITECTA DE PAISAJE


BEATRIX JONES FARRAND (1872-1959)


Beatrix Jones Farrand fue una arquitecta de paisaje pionera de la profesión en los Estados Unidos de América. Nació en una familia prominente de Nueva York  el 19 de junio de 1872. En su juventud Farrand era una jardinera ávida de aprender, a los veinte años Farrand se introdujo al campo de la horticultura con uno de sus mentores principales, el botánico Charles Sprague Sargent del Arnold Arboretum de la Universidad de Harvard. De 1890 a 1891, estudió en dicho Arboretum. Fue gracias a este encuentro fortuito con Sprague Sargent, lo que abriría las puestas a un nuevo campo de su interés y el objetivo de su pasión. En 1893 comenzó a leer, fotografiar, observar y anotar los detalles acerca de Bar Harbor, un paraje cerca del mar en Maine, lugar donde su familia se iba a vacacionar cada año y donde pasó gran parte de su tiempo admirando sus jardines. Ella se trasladó a Brookline, Massachusetts, donde estudió jardinería, paisajismo, botánica y planificación territorial. Su mentor, Sargent, motivaba a Farrand a viajar tanto como le fuera posible para que pudiera aprender de algunas de las grandes obras del mundo. Uno de estos recorridos fue a través de Europa, donde ella pudo visitar más de veinte jardines notables. Ella estudio por años muchos jardines que visitó en Italia, Francia, Alemania, Holanda, Inglaterra y Escocia. Otras tradiciones del paisaje también la inspiraron particularmente, los estilos italiano, chino y de otras tradiciones que se reflejaron en sus diseños. Comenzó a practicar la arquitectura del paisaje a la edad de 25 años, trabajando desde la planta superior de la casa de su madre en Nueva York. Se casó en 1913 con el famoso historiador de Yale, Max Farrand.

Wharton's Country Estate, The Mount in Lenox. http://xroads.virginia.edu/~ma99/hall/Dumbartonoaks/farrand_dum.html

Beatrix Farrand fue una mujer con una carreta muy exitosa, gracias a sus buenas conexiones sociales, realizó cerca de 200 comisiones de jardines diseñados para muchos clientes acaudalados. Construyó muchos jardines, la  mayoría de ellos en el Estado de Nueva York. Farrand supo combinar la experiencia adquirida como horticultora, perfeccionada a través del estudio en el Arnold Arboretum con un buen ojo para los detalles, un sentido casi perfecto de proporciones, y una amplia formación en las bellas artes y la historia del diseño. En 1897 diseñó y construyó un pequeño cementerio en Seal Harbor, Maine que pudo haber sido su primer proyecto real. Clientes como Harkness y Rockefeller le encargaron el diseño de sus jardines en sus fincas y sus casas de campo. Uno de los jardines privados más bellos y evocadores de los Estados Unidos son los jardines Abby Aldrich Rockefeller en Seal Harbor, Maine. Diseñó estos notables jardines para los Rockefeller (Nelson y la madre de David Rockefeller), entre 1926-1929. Las Influencias chinas y conceptos budistas se pueden intuir en este diseño.  Establecido después de una visita a Asia en 1921, Los Rockefeller trajeron un tesoro para enriquecer su jardín, era una colección de azulejos amarillos del techo imperial de la Ciudad Prohibida, Pekín. Estos azulejos adornan las paredes del perímetro que rodea el jardín.


Harkness Memorial State Park es un parque público y un jardín botánico ubicado en Waterford, Connecticut, en el estrecho de Long Island. Mide 93 hectáreas. El parque fue antiguamente Eolia, una hacienda de Edward Harkness, millonario heredero de una gran fortuna iniciada por las importantes inversiones de su padre en la Standard Oil de John D. Rockefeller. Compró la mansión en 1907. Entre 1918 y 1929 realizó las obras exteriores bajo la guía de la paisajista Beatrix Farrand Jones. Eolia fue legado el estado de Connecticut en 1950 y se convirtió en parte del sistema de parques State Park en 1952.

Si bien la mayoría de sus jardines se han perdido en el tiempo, son notables excepciones el jardín Eyrie, el mencionado Rockefeller's Garden en Maine, También una gran parte del campus de Princeton y Yale, los jardines Dumbarton Oaks, en Washington, DC, que es indiscutiblemente uno de los grandes jardines del Norteamérica.


La obra de Gertrude Jekyll marcó una importante influencia en Beatrix. Cuando Beatriz viajó al extranjero con su madre en 1895, Farrand quiso pasar por Inglaterra para conocer a Gertrude Jekyll. Aunque las dos damas se encontraron, no hubo reuniones para dar continuidad a su intercambio o correspondencia, aunque Beatriz siguió leyendo los libros de Jekyll. Farrand se unió así a la visión de personas de la talla de Gertrude Jekyll y William Robinson en el seguimiento del estilo Arts and Crafts. En adelante su defensa de la utilización de plantas perennes con las combinaciones basadas en la armonía del color, la secuencia de las floraciones y la textura serían su manera de enfocar muchos de sus diseños. Este fue el nacimiento del borde mixto al estilo americano, que llegó a alcanzar sus ideales estéticos a manera de jardines con una formalidad fresca y de una sofisticación disfrutable. Lo que más se le reconoce es que logró que se perciban sensaciones como la intimidad, la calidez, el candor y la tranquilidad. Todos sus diseños crean un ambiente singular, son interesantes y agradables para los visitantes.
En el trabajo de Farrand, la influencia de Jekyll se puede traducir en varios aspectos como; la armoniosa y sutil elección de las plantas, en la manera de proyectar un intenso énfasis del valor de la naturaleza. Su uso de “compartimentos” en el jardín; o áreas definidas, que fluían con transiciones a partir de un área a la siguiente, y que se han convertido en un sello de su arquitectura de paisaje de la época. Durante la Segunda Guerra Mundial adquirió los planos de Jekyll y los donó a la Universidad de California rescatando de un posible desastre unos documentos valiosos para las futuras generaciones.
Ya sean grandes o pequeños, formales o naturalistas, los diseños Farrand respondieron tanto a las características específicas del sitio como a los deseos de sus clientes. Como resultado, cada trabajo comisionado es único y es evidente la calidad que alcanzaban en las manos de Farrand. Su influyente trabajo llegó a constituir un hito en el gusto de los norteamericanos por los jardines en la primera mitad del siglo XX. Su legado permanece aun en los diseños originales aun podemos admirar hoy en día.
Farrand fue uno de los once miembros que fundaron la Sociedad Americana de Arquitectos de Paisaje (ASLA), era la única mujer de los once fundadores de la sociedad americana y tenía una preponderante influencia en la profesión en los Estados Unidos. Una autobiografía de Beatrix Farrand fue escrita en 1956 y publicada en el Reef Point Gardens Bulletin en 1959. Sus documentos están archivados en la Universidad de California, Berkeley y Harvard.
Jardines de Dumbarton Oaks

Dumbarton Oaks es una mansión del siglo XIX y sus espectaculares jardines. La residencia es de estilo federal y se ubica en el Barrio de Georgetown en Washington D.C. La mansión se construyó en 1800. En 1920 la compraron Robert Woods Bliss y su esposa Mildred Barnes Bliss. El señor Bliss fue durante mucho tiempo miembro del cuerpo diplomático de los Estados Unidos. Mildred y Robert W. Bliss, eran unos filántropos estadounidenses importantes. El jardín fue desarrollado entre 1922 y 1947 por Mildred Bliss. Son unas 4 hectáreas  de jardines y confió casi todo su diseño de paisaje a la arquitecta paisajista Beatriz Farrand en colaboración con la señora Bliss. Ella propuso un diseño coherente con el movimiento Arts and Crafts, es estructurado pero a la vez romántico. Una serie de pequeñas terrazas individuales contienen jardines temáticos o énfasis en el diseño, unidas por calzadas. La serie de terrazas están construidas en la ladera posterior de la casa, y se une a otras áreas de un tono informal. Los jardines incluyen: el Jardín de Estrella, el Jardín Verde, la Terraza de la Haya, la Terraza de la Urna, la Rosaleda, la Terraza del Árbol, la Terraza de la Fuente, la Piscina del Sendero de los Amantes, la Terraza de Guijarros, la Plaza de la Camelia, el Camino de Prunus, la Colina del Cerezo, la Colina de Manzanas, la Colina Forsitia y la Colina de la Vista Hermosa. Todos están abiertos al público (1) Actualmente la antigua residencia alberga la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, un centro para el estudio del imperio bizantino, para el estudio de le época precolombina y la historia del paisajismo.

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viernes, 21 de enero de 2011

JENS JENSEN Y LA "PRAIRE SCHOOL"


Jens Jensen comenzó a diseñar el Columbus Park en 1915. En una parcela de tierra de 150 hectáreas, llamado así en homenaje a Cristóbal Colón, quién abrió América a los europeos. Jensen trataría de interpretar el paisaje nativo de Illinois lo más ampliamente posible. (foto Cortesía del Chicago Park District Special Collections)

Jens Jensen era un paisajista excepcional cuyas obras en parques y jardines se convirtieron en idealizaciones del patrimonio natural regional del Medio Oeste. Se le considera un pionero en la protección de este tipo de paisaje americano y el decano del “Estilo de Pradera” de la Arquitectura de Paisaje.


En 1915se describe por primera vez el “estilo de la pradera”  en un escrito de Wilhelm Miller en The Spirit Prairie sobre Jardinería y Paisajismo, donde aparece refiriéndose a la obra de Ossian Cole Simonds, Jens Jensen, y Alfred Caldwell. El diseño del paisaje se caracterizaba  por el enfoque regional que; celebra el carácter abierto del paisaje, la extensión ilimitada de la horizontal, y la vegetación nativa de la región central.


Jensen fue uno de los más grandes conservacionistas americanos. A principios del siglo XX, Jens era “verde” antes de la palabra ecología existiera. Esto se debe catalogar como una aptitud visionaria. Se destacó porque su acercamiento como paisajista hoy le llamaríamos ecológica, pero de una forma fresca y tolerante. Afirmaba que los seres humanos son parte del ambiente, cuyas necesidades son tan válidas como las de las plantas y los animales. “Nunca seremos unos verdaderos paisajistas ni haremos un arte de mérito hasta que hayamos aprendido a amar el suelo y la belleza de nuestra patria, haciendo que las realizaciones humanas coexistan en su armonía infinita”, escribió Jensen en Siftings, su libro más importante publicado en 1939.


Para Jensen, la arquitectura del paisaje no era sólo una profesión, ni tampoco se trataba de hacer solo uso de plantas nativas. El expresó su creencia casi mística de que los poderes de la naturaleza son renovadores y civilizadores. “Fue un reformador que tenía las manos en una pala y la cabeza en las nubes.”

Fotografía © UW Arboretum
Civilian Conservation Corps proyecto diseñado por Jens Jensen

Jensen había aprendido sobre los paisajes de la región central recorriendo sus parajes y disfrutando intensamente de sus fotografías y descubrimientos. Como joven de origen danés de 24 años de edad en Chicago, Jensen, su esposa Ana María, y luego sus hijos recorrieron los parajes silvestres, disfrutando de la belleza del campo y la recolección de plantas. Como un inmigrante, estudió el paisaje del medio oeste mucho más a fondo, y creía en éste con más pasión que la mayoría de los nativos.
La destrucción de sus praderas y de las selvas cercanas es lo que Jensen vio como una de las grandes tragedias y el alto precio que se pagaba por la visión de desarrollo de Estados Unidos. Este fue uno de los factores que lo motivó a realizar muchos esfuerzos en su conservación.  Más tarde los impulsaría a través del “Club de la Pradera” y los “Amigos de Nuestros Paisajes Nativos”.
Creó un estilo propio para Chicago y le dio identidad a su paisajismo. Diseñaba para expresar el ideal de espacios democráticos, para que los trabajadores pobres disfrutaran de sus “claros” y despejaran la mente del bullicio de la ciudad. Esta propuesta obtuvo un triunfo inicial en su "American Garden”. En Chicago se le considera el padre de su Sistema de Parques y un precursor junto a un pequeño grupo de personas tenaces, quienes fueron los principales responsables del establecimiento de la reserva forestal del Distrito de Cook County, Illinois. Jensen también organizó e inspiró los primeros movimientos de conservación que llevaron a la creación del Indiana Dunes State Park y National Lakeshore.
Donde quiera que iba y ante cualquiera defendía su convicción central: la gente debe tener algún contacto con la “vida verde”,  (living green), flores y plantas nativas en sus jardines. En su artículo, “La naturaleza de la fuente” Jensen hizo hincapié en que la naturaleza es la verdadera “fuente” y la única posible para el estudio de paisajismo. Para Jensen, la naturaleza proporciona “una profundidad real” y “misterio” intrínseco, que lo impulsó a desarrollar el arte sutil de sus conceptos de diseño. Su manejo cuidadoso de la composición de las plantas en su conjunto, el trabajo con piedras, la luz y la sombra, contraste de texturas, y la noción de construir un espacio al aire libre sacaba su fuerza de estos estudios en profundidad de los patrones naturales.
Usando siempre las plantas nativas abogó porque los jardines, parques, caminos, patios, y ciudades deberían ser armoniosos con la naturaleza y sus procesos ecológicos, una creencia que llegaría a convertirse en un tema importante del diseño americano moderno del paisaje. Realizó proyectos para parques y reservas, escuelas, zonas residenciales, hospitales, complejos de oficinas, y centros de gobierno. Característico de su trabajo es la utilización de líneas horizontales y suavemente onduladas en las formas topográficas y su disposición de las piedras. Le gustaba trabajar con los hábitos naturales de ramificación de los árboles y arbustos evitando las podas, y trataba siempre de instaurar la restauración y conservación de especies nativas.
Hoy las contribuciones de Jensen en el diseño del paisaje, la conservación, y la reforma social han atraído la atención de manera constante en los últimos años, y una reciente iniciativa ha generado una renovada atención a su importancia.
Murió en 1951 a Ellison Bay en el condado de Door, Wisconsin, a los 91 años. Hace pocos años, una carta de una nieta de una Jensen, Marnie Wirtz, al Comisario de Asuntos Culturales de Chicago Lois Weisberg inspiró el proyecto Legacy Jens Jensen dedicado a dar a conocer y preservar sus obras, ideas y su diseño nuevo e inspirador. Para Robert E. Grese, autor de “Jens Jensen: constructor de Parques Naturales y Jardines” La preservación de los lugares físicos creados por Jensen es tan importante como preservar el legado de sus ideas, “Ahora más que nunca, tanto en zonas urbanas como suburbanas y la población rural necesitan a conectarse y sentirse con el paisaje natural y sus ciclos.”


El conservatorio del  Garfield Park en Chicago tiene cerca de 100 años. Construido entre 1906 y 1907 fue diseñado por el paisajista Jens Jensen en colaboración con los arquitectos Schmidt, Garden y Martin. El conservatorio es una estructura que abarca 18,000 metros cuadrados y exhibe una enorme variedad de plantas en forma permanente. http://students.depaul.edu/~rdiester/chicagosite/spaceslocations/spacespics/garfieldinside.jpg

Este artículo se basa en una recopilación de datos y textos en una traducción libre de estas direcciones:
http://www.newton.dep.anl.gov/natbltn/600-699/nb608.htm


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