jueves, 13 de octubre de 2011

Jardín renacentista del Chateau d'Amboise

Arquitecto-Paisajista
Guillermo Chaves Hernández


Estas fotos fueron tomadas por Rodolfo Álvarez en setiembre del 2011 durante una visita a los castillos del Valle de Loira.



El jardín del Chateau d'Amboise es un monumento emblemático francés y sus jardines paisajísticos ofrecen uno de los magníficos panoramas que destacan en el Valle del Loira. Está registrado en el conjunto de castillos del Valle  como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Gracias a la cortesía de Rodolfo Alvarez puedo documentar con sus fotografías esta descripción.

El jardín del Chateau d'Amboise es representativo de una etapa histórica donde el jardín a la francesa estuvo fuertemente influenciado por los jardines italianos del Renacimiento. Esta influencia se origina cuando el heredero al trono de trece años, Carlos VIII, llevó su ejército a Italia para hacer valer por la fuerza de las armas, un antiguo derecho de su dinastía sobre Nápoles. Después de esta campaña que inicia en 1495 regresó a su patria, hacia el castillo de Amboise en el Loira. El Rey de Francia logró muy poco en términos político-territoriales, pero no regresaría con las manos vacías. Evidentemente había tenido tiempo suficiente mientras se encontraba en Nápoles para hacer un examen detallado de sus numerosos palacios, villas y jardines. Escribió con entusiasmo al duque de Borbón:.. "Mi hermano, no te puedes imaginar los hermosos jardines que he visto en esta increíble ciudad. Parece que sólo faltan Adán y Eva para hacer el paraíso terrenal, son tan hermosos, llenos de cosas buenas y extrañas. "




Foto Rodolfo Álvarez de los jardines que rodean el Castillo de Amboise. 

El rey Carlos VIII también se trajo artesanos italianos y diseñadores de jardines, como Pacello da Mercogliano, un sacerdote napolitano. Aunque no hay pruebas documentales relacionadas con su actividad en Amboise, sin embargo es considerado como el creador de este primer jardín de estilo italiano del Renacimiento en Francia en su residencia en el Chateau d'Amboise.  Pacello rompe con la tradición de los Hortus conclusus y su carácter introvertido para abrir progresivamente las perspectivas. Introduce nuevas especies comunes en Italia como el melón, la alcachofa y los agrios.  

Amboise probablemente tenía un herbario medieval antes de que se hicieran estos diseños. Lamentablemente, Carlos VIII, que estaba tan entusiasmado con los jardines a la italiana, no vivió para disfrutar del arte Mercogliano, ya que murió en 1498 como resultado de un accidente. Su sucesor, Luis XII, terminó el proyecto que hoy conocemos por los espléndidos grabados detallados por Jacques Du Androuet Cerceau, dibujo de 1576. Estos, sin embargo, muestran el jardín después de muchas décadas de creado.


Los detallados grabados de Jacques Du Androuet Cerceau (ilustración arriba). Muestran el jardín décadas después de su creación. Sus grabados fueron publicadas por primera vez en dos volúmenes en la década de 1570, Du Cerceau reunió en sus espléndidos grabados a todos los castillos y jardines importantes de la época en Francia, una época que comenzó con el reinado de Carlos VIII, floreció durante el reinado de Luis XII (1498-1515) y Francisco I (1512 -47), y llegó a su fin con Enrique IV (1589 a 1.610).


El Castillo de Amboise fue construido con el fin de ser una fortaleza medieval y  fue destruido varias veces por los Normandos. Fue residencia de Luis XI, Carlos VIII, Luis XII y Francisco I. La parte en negro es lo que sobrevivió a un gran  incendio.

El castillo se encuentra sobre una meseta rocosa, con vistas espectaculares del río Loira. Como Henry James escribió en 1900: "Las plataformas, los bastiones, las terrazas, las ventanas de altos nichos y balcones, los jardines colgantes y las almenas de esta complicada estructura, están hechas para que tenga en relación perpetua con el inmenso horizonte.”


En la explanada del jardín de Oriente sobresale dominante un gran cedro del Líbano (Cedrus libani), plantado en honor a los compañeros del emir Abd el Kader, caídos  en Amboise. Foto de Rodolfo Alvarez.

El arte italiano y entre estos el de diseñar jardines, es decir, el jardín renacentista, se radicó primero en Francia a partir de esta época, y luego también extendería su influencia a los otros países del norte de los Alpes. Es el comienzo de una nueva etapa de la historia de los jardines Europeos.

En las fotos se muestra el parque rediseñado en el espíritu de los jardines italianos. Contiene muchos árboles mediterráneos (ciprés, el roble, el boj), y que poco a poco lleva al jardín superior. El "Jardín de Nápoles" (situado en el lado norte de la muralla)se encuentra en el sitio del jardín creado por Dom Pacello da Mercogliano en el siglo XV.

  El "Jardín de Nápoles" está situado en el lado norte de la muralla, en el sitio del jardín original creado por Dom Pacello da Mercogliano en el siglo XV. Source/Credit: Wiki Media


La rampa de los caballeros lleva a los espléndidos jardines rediseñados al estilo italiano y recuerda los de paisajes mediterráneos, vemos como dentro de esta composición hay plantaciones de viñeros, de macadamia y otras plantas de uso hortícola. Buxus, es un género con cerca de 70 species de arbustos y árboles  de la familia Buxaceæ, que incluye el Buxus sempervirens muy usado en jardines para conformar los topiarios, un espectacular ejemplo son las esferas a distancias regulares que crean un patrón rítmico que resalta en el conjunto de los jardines. Foto de Rodolfo Alvarez.

Foto de Rodolfo Alvarez.


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miércoles, 12 de octubre de 2011

Manifiesto 12 Octubre 1492 -2011


Hoy después de más de 500 años del genocidio e invasión de los pueblos americanos, tomamos conciencia de todo ello y pedimos perdón por  todo lo que nuestros antepasados le hicieron a vuestros antepasados,  para que este dolor, que aún sigue resonando en estos días, sea purificado en este acto de Amor y Conciencia, para que juntos podamos abrir nuestros corazones y nuestros pueblos puedan vibrar hermanados y de la mano, caminando en una sola dirección recorriendo el camino de la Paz.

Hoy más que nunca debemos unir nuestros corazones para que nuestros pueblos sanen sus heridas y en este acto de Amor, liberar ese dolor y no nos sintamos culpables, ni carguemos con esa pena, ni nos sintamos inferiores ni superiores por ello, pues somos hermanos del Padre_Madre. Abriendo nuestro corazón reconoceremos la Divinidad en ti y en mí y nos amaremos tal como somos, sin distinción de razas o color, pues Dios-Diosa nos creó a su imagen y semejanza para “nuestro propio aprendizaje” por eso hoy aquí reunidos, cantemos alabanzas a la Divinidad interior y sanemos las heridas por la sangre derramada por aquél acto inconsciente que hoy aquí los presentes venimos a redimir, pidiendo perdón a todas nuestras hermanas y hermanos, no importa del lado que estén en nuestros días. Solo queremos que esas tramas de dolor se Liberen con AMOR por un bien mayor, como es la expresión de la Divina Madre ante la cual nos postramos y que su asentamiento sea una realidad en tierras Americanas.

Ya no son momentos de rencores ni reproches. Oremos todos juntos pidiendo perdón para borrar de la trama esos sentimientos y que estos no vuelvan a repetirse, pues después de tomar conciencia de todo lo acontecido, unámonos por la Paz y la Concordia entre nuestros pueblos y que el Amor y la Luz reine siempre en nuestros corazones.

 Que así sea, Que así sea y Así es.

 ¡Viva América!, ¡Viva España!, ¡Viva nuestra Madre Divina!


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martes, 4 de octubre de 2011

HERRAMIENTA N°3: Armonías por Contraste

Arquitecto-Paisajista
Guillermo Chaves Hernández


En esta composición con piedras labradas se puede apreciar varias formas de contraste que a continuación se enumeran; contraste por colorido del material: lo inerte y lo vivo jugando con énfasis verticales contras horizontales, volúmenes prismáticos en contraposición a las esferas y cuencos curvos, lo suave contra lo duro, etc. Foto de Ricardo Chaves en los jardines de Hacienda La Laguna, Curridabat, Costa Rica.

El contraste en la arquitectura paisajista se define como la composición o yuxtaposición de “elementos dispares” para intensificar las características de unos elementos con respecto a otros para potenciar su expresividad y dinamismo. El contraste es la comparación de elementos disímiles, que puede ser a través de su color, textura, forma, etc. Esto permite identificar las formas al aumentar la variedad visual en una composición. En adelante solo me referiré a lo que concierne al contraste de color. Nuestro esquema visual depende del contraste, cuando falta el contraste adecuado, no se da una organización satisfactoria del color. El contraste en nuestra profesión se introduce intencionadamente cuando se necesita crear efectos como; un énfasis visual, un acento, ritmos, masas y patrones entre otras posibilidades de composición. Un contraste insuficiente puede tener como resultado un diseño anodino y sin interés, por otra parte un diseño con excesivo contraste puede perjudicar la unidad general.

Foto de Ricardo Chaves en los jardines de Hacienda La Laguna, Curridabat, Costa Rica.

El contraste del color es un fenómeno con el que se pueden diferenciar colores con diferentes criterios, por ejemplo; atendiendo a la luminosidad, al color de fondo sobre el que se proyecta, a la saturación, la temperatura, la superficie, etc. En paisajismo se puede potenciar más los efectos de color si además se combinan y contrastan las texturas, las formas, las siluetas, el volumen, las calidades espaciales, etc. Otros contrastes podemos originarlos a través del mismo “colorido del material” y enfatizarlo por múltiples vías;  lo inerte contra lo vivo, lo inmóvil y lo dinámico, el vacío y la ausencia con lo presente y lo material. Esto por nombrar solo algunas de las que tienen muchas posibilidades creativas 

Una sola planta nos ofrece varios ejemplos de contraste en si misma, contraste de complementarios, rojo-verde, blanco-negro, contraste de tono o valor entre zonas luminosas y sombreadas y otras que pueden deducir del listado que sigue. Foto de Ricardo Chaves en los jardines de Hacienda La Laguna, Curridabat, Costa Rica.

Los tipos de contraste más comunes son:

Contraste por tono:

Tono es el grado de luz u oscuridad. También se usa como sinónimo el término valor. Este contraste puede tratar de la utilización de una gama de diferentes tonos dentro del mismo color y aquí es donde la diferencia por tono se vuelve imprescindible. Se ha de tener en cuenta que se debe utilizar uno de ellos, el más saturado preferiblemente, en mayor cantidad o espacio para conseguir un efecto correcto. Es decir que los colores oscuros deben tener mayor área en un jardín con respecto a los colores claros, eso aumenta la efectividad de los acentos, por ejemplo.

El contraste por tono se puede verificar en este caso, hay un color oscuro conformado por una cobertura de Ophiopogon japonicus en un área mayor ya que es la base para resaltar el color verde más claro del helecho Angiopteris evecta y un bambú. Diseño de Guillermo Chaves. 

Contraste por Saturación o contraste de cualidad:

Es muy parecido al anterior pero con la utilización del un color saturado modulado o contrastado con tonos blancos, claros de sus colores complementarios. Es decir que se obtiene un contraste entre tonos intensos, luminosos y entre tonos atenuados o amortiguados. 

Si miramos con detenimiento esta combinación de texturas y colores vemos que hay una intensionalidad puesta en el contraste; el amarillo verdoso contrasta con el morado oscuro del fondo, los grises por ser colores neutros se usan para separar esquemas más de colores más saturados y crear primeros planos acentuando la perspectiva. Foto de Guillermo Chaves. St. James Park de Londres. 

Contraste por colores simultáneos:
Efecto que se consigue en la utilización de colores y tonos al superponerse uno encima del otro.

Contraste brillante-tenue: se elige un color brillante puro y una variación tenue de su complementario. 

En la imagen un Contraste brillante-tenue: hay un color morado brillante oscuro como cobertura en contraste con una variación más clara del mismo color.

Contraste por Complementarios:
Es la utilización de dos colores complementarios y sus derivados.


Esta composición en la foto superior, con una palmera el centro, se encuentra en Kew Gardens, tiene un esquema de color basado en los contrastes de complementarios. Como en muchas obras que se hacen en los espacios públicos, se opta por los colores atractivos y la composición simétrica para capturar la atención del observador.
Abajo, es un arreglo floral en Jardín de las Tullerías, París. El diagrama que muestra como un esquema análogo puede ocupar un rango amplio del espectro. Esto permite que los colores varíen desde los “cálidos” hasta los “fríos”, se acentúan estas analogías con contrastes a nivel de luz y de sombra así como del contraste de calidad.
Contraste por Blanco y Negro:
Son los principales contrastes utilizándolo desde el blanco al negro pasando por los grises.
 
Contraste entre claro y oscuro: se basa en los niveles de luminosidad expresados mediante la escala de los grises. Se crea una escala en que se ponen los colores ordenados de una saturación máxima hasta una saturación mínima. Un contraste similar se obtiene si se ponen en puntos opuestos de una escala el color más luminoso (por ejemplo el amarillo) de un lado y el menos luminoso (el violeta) en el otro extremo.

Este diseño se basa en un contraste de luminosidad entre materiales inertes, como piedra caliza, mármol travertino, y estuco claro contrastando con las plantas en una variación de tonos verdes. Foto y diseño de Guillermo Chaves. Costa Rica. 

Contrate de colores puros: que se obtiene asociando tonos que se hallan en su punto de saturación  más elevado y juntando al menos tres colores. Para obtener un contraste aun más grande, hay que separarlos con blanco o negro. Con ello se logra cierto efecto de inestabilidad, pues el observador ve estimulada su atención en forma constante.

Los colores usados forman un contraste de colores "puros", y es casi una tríada con azules, rojos y verdes creando una excelente composición de color. Queen Victoria Memorial Gardens, Londres, Inglaterra. Frente del Palacio de Buckingham al final de la alameda. A un lado de St. James Park y Green Park. Está compuesto de 12,000 geranios rojos, y otras plantas con colores muy puros o saturados que hacen juego con el uniforme de la guardia.

Contraste de cantidad: este planteo procede de la relación cuantitativa entre dos o más colores y está basado en escalas matemáticas tal y como las propuso Goethe. Él le atribuye un valor determinado a los colores. Es así como en amarillo=3, naranja=4, rojo=6, violeta=9, azul=8, verde=6. Para obtener un equilibrio mediante dos colores contrastados, es necesario asociarlos en proporciones con dichos valores, Por ejemplo, si queremos asociar flores amarillas y flores violetas, para obtener un resultado armonioso habría que mantener una relación entre el amarillo (3) y el violeta (9) de tres a nueve, es decir de un tercio (una parte proporcional de amarillo por tres partes de violeta. El contraste de verde y rojo sería una relación 6 a 6, es decir que lleva el mismo número de elementos. El azul con el naranja, hacen una relación de 2 a 1, es decir dos elementos azules por cada elemento naranja.

Contraste por Superficie:

Es la utilización de diferentes colores y tonos variando el factor de la superficie. Al combinar las plantas se recomienda además de tener en cuenta el contraste de colores, también las formas y dimensiones. Por ejemplo, se puede tener un efecto muchos más espectacular si se sitúan algunas plantas con hojas pequeñas verdes a la par de otras con hojas grandes rojizas.

Contraste por Fríos y Cálidos:

En el contraste y también en la armonía de los colores conviene tener en cuenta que además de la utilización de los colores la utilización de la luz puede dar otro efecto más. Partiendo del mismo color y variando la luminosidad se consiguen otra gama de colores muy útiles.

Clasificación de los colores Fríos y Cálidos:

Los colores están clasificados en grupos de cálidos (amarillos y rojos) y fríos (verdes y azules). El fundamento de esta división radica simplemente en la sensación y experiencia humana más que en una razón de tipo científica. La distinción entre colores cálidos y colores fríos es bastante corriente. Los términos "cálidos" y "fríos" apenas se refieren a los tintes puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Pero las propiedades de calidez y frialdad no se refieren solamente a las reacciones del observador. Caracterizan también al objeto. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal, sino el color que se desvía ligeramente de él. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. La mezcla de dos colores equilibrados no manifestaría claramente el efecto. El verde, mezcla de amarillo y azul, se aproximaría más al frío, mientras que las combinaciones del rojo con el azul para dar el púrpura, y con el amarillo, para dar el anaranjado, tenderían a la neutralidad o a la ambigüedad.

Colores cálidos: Colores en el extremo rojo del espectro, incluidos el amarillo y el naranja, que se asocian al calor. Los colores cálidos parecen atraernos, mientras que los fríos nos mantienen a distancia. Los colores cálidos en matices claros: cremas y rosas, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo y en los matices oscuros con predominio de rojo, vitalidad, poder, riqueza y estabilidad. Por asociación la luz solar y el fuego al rojo-anaranjado, al amarillo, etc. 

Colores fríos:
Colores en el extremo azul del espectro. Se los considera por asociación con el agua al azul, violeta y verdoso. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El clima influye mucho en el gusto por los colores. Las personas que viven en países cálidos y de mucho sol prefieren, los colores cálidos, mientras que aquellas otras que viven en latitudes frías y de poco sol muestran su gusto por los colores fríos.

Contraste mezclado: creación de un color al mezclar una post-imagen con un tinte, Una post-imagen amarilla superpuesta a un campo azul producirá la apariencia de verde.

Contraste simultáneo: Aumento o disminución instantánea de la intensidad de los colores, cuando se perciben en posiciones adyacentes. Cuando se colocan juntos dos colores complementarios, aumenta el brillo en intensidad de ambos. Cuando se yuxtaponen dos colores que no estén diametralmente opuestos en la esfera, tienen un efecto mutuo modificador o amortiguador.

Contraste sucesivo: realce o modificación de un color por imposición de una post-imagen sobre él. Su efecto es similar al del contraste simultáneo, aunque necesita un período de tiempo más largo para que haga efecto.
                                                                           

  
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lunes, 3 de octubre de 2011

LA ARQUITECTURA DE PAISAJE Y EL MOVIMIENTO MODERNO

Arquitecto Paisajista
Guillermo Chaves Hernández


Cuadro en acrílico del autor; Guillermo Chaves H.

Las Vanguardias históricas del arte (de inicios del siglo XX) marcarían el derrotero de muchas otras disciplinas, incluyendo la Arquitectura de paisaje. Surgen como una avalancha incontenible y define de hecho un paradigma que marca el devenir de las profesiones asociadas al diseño durante buena parte del siglo XX.

En los escritos anteriores de este mismo blog, me he dado a la tarea de enumerar las ideas primigenias provenientes del arte moderno que impactaron a ciertos paisajistas visionarios que revolucionaron este campo. Hay que recordar que las premisas decimonónicas, como muchas otras ideas, se vuelven referencias casi pétreas, reflejadas en la trandición de las Beaux Arts y que logra también permear el estilo Arts and Crafts, y son pocos los paisajistas que intuyen los vientos de cambio que traerían los movimientos que revolucionan el arte de las "primeras vanguardias" y que posteriormente se llamarían arte Moderno. Algunos paisajistas seguirían desarrollando las formas estilísticas y repetirían los esquemas predominantes, y lo harán con mucha calidad, otros viven una transición que los lleva a ajustarse a las nuevas ideas.


Cuadro en acrílico del autor; Guillermo Chaves H.
Tienen que pasar décadas para que se manifieste con fuerza un "nuevo derrotero" para el conjunto de toda una base teórica relacionada con la arquitectura de paisaje. Una palabra que puede abarcar grandes cambios de timón es el concepto de paradigma, que procede del griego paradeigma que significa ejemplo o modelo. Se dice que un cambio de paradigma es algo dramático por que se invalidan los conocimientos previos (en el caso de la ciencia). Un paradigma también representa una cosmovisión, (para las ciencias sociales), que es en términos simples, la forma de interpretar  y concebir el mundo propio de una persona o una época, para el propósito de este artículo rige la última definición.
Según Joan Roig en su artículo Jardines modernos Arquitectura, arte y paisaje en el siglo XX …“la idea de modernidad -entendida en el contexto cultural en el que surgió y se desarrolló como alternativa a un viejo orden- apareció por primera vez relacionada con la arquitectura del paisaje en los escritos de Horace Walpole (en especial en su ensayo Historia del gusto moderno en jardinería, publicado en Inglaterra en 1780), pero hasta finales del siglo XIX no se desarrolló un cuerpo teórico capaz de ser transmitido de manera objetiva”.

En este libro Walpole escribirá un encendido elogio sobre el paisajista William Kent, al que consideraría el fundador del jardín inglés. En este ejemplar ensayo nos ofrece una sucinta historia del arte de hacer jardines.

El señor Horace Walpole, conde de Orford, político, escritor, se le atribuye ser el inventor de la novela gótica e innovador arquitecto británico era aficionado a  la historia y también de la jardinería. Escribió el Ensayo sobre la jardinería moderna que trata, tras un brevísimo repaso, de la historia de la jardinería, de las excelencias del jardín inglés en contraposición al jardín francés. Walpole relaciona el origen del jardín inglés con la supresión de los setos que cerraban la zona más próxima a la casa: “Si digo que el haber abandonado los setos fue un paso adelante, es por las siguientes razones: Tan pronto como se hizo este simple encantamiento hubo que nivelar, cortar la hierba y pasar el rodillo. El campo contiguo al parque sin la cerca desaparecida, hubo que armonizarlo con el césped del interior; y al jardín, a su vez, hubo que librarlo de su remilgada regularidad, para que se aviniese con los terrenos exteriores, que eran más salvajes.”

Hay que recordar que el adjetivo moderno proviene del latín modernus  y se empieza a usar tardíamente en el siglo V con el significado de “reciente y actual”. Es en los albores del Renacimiento que empezó a usarse el vocablo moderno  “de ahora” y los anteriormente mencionados.

 Cuando 'Capability' Brown re-ajardinó el jardín de la reina Carolina entre los años 1760 y 1770 llevó el césped hasta el río, una mejora aplaudida por un escritor contemporáneo: "El río ahora muestra con orgullo la fluida difusión entre el césped de Sion y el Real Jardín de Richmond, que en conjunto forman una escena de superior grandeza y belleza". http://www.explore-kew-gardens.net/engMarch/textMM/syonvistaN.htm


Nos habla también del pintor y paisajista William Kent (1685-1748) como impulsor del jardín-paisaje, del jardín visto como un cuadro: “En aquel momento apareció Kent, lo bastante pintor para apreciar los encantos del paisaje, lo bastante valiente y testarudo para atreverse y dictar, y nacido con el genio necesario para emprender un gran camino a partir de aquellos primeros pasos de intentos imperfectos. Saltó el seto, y vio que toda la naturaleza era un jardín.” (1)



Cascada diseñada por William Kent en Chiswick House. http://plantasyjardin.com/2011/03/el-jardin-ingles/

En este ensayo desglosa sus premisas, que son radicalmente opuestas al jardín francés –“pues a la naturaleza le horroriza la línea recta” en favor de la nueva estética del jardín inglés que nace en el siglo XVIII. Enamorado de las vastas perspectivas pintorescas y de los parterres floridos, nos desvela una nueva armonía visual que llevará a cabo en su propio jardín de Strawberry Hill. Para Walpole, como para Alexander Pope, “crear un jardín es pintar un paisaje”. El poeta Alexander Pope dijo la famosa frase “hagamos  que la naturaleza nunca sea olvidada”,  y quería que se entendiera el lugar, “el genio del lugar”. Cuando se “doma”, un paisaje debemos respetar el terreno.

Proyecto en acuarela el antes de Humphry Repton

Proyecto en acuarela el después de Humphry Repton http://plantasyjardin.com/2011/03/el-jardin-ingles/


El siglo XVIII Inglés se volvió obsesivo con estas nuevas formas de conceptualizar el paisaje, como una forma de “distanciarse políticamente” de los franceses a través del diseño del paisaje. Si bien los jardines franceses eran admirados, son también eran considerados estructurados y rígidos, los ingleses aspiraban a un estilo propio más natural, invitar al visitante a disfrutar través de la simplicidad.


El Templo de Shell en el Jardín Pope en Twickenham. Por William Kent c. 1725-1730

Sin embargo el movimiento Arts and Crafts había nacido en Inglaterra y se recurría muchas veces a “secciones formales” y "estructuradas", con influencia italianizante.

Nuevos aires de modernidad en Europa

Después de analizar el importante aporte de los ingleses al diseño de paisaje, cabría esperar que llevaran la batuta en la innovación que se perfilaba para al cambio del siglo XIX al XX pero, paradógicamente la respuesta de los horticultores británicos a la influencia del arte moderno fue excepcionalmente lenta, contrario a lo que sucedió en Francia. En la primera mitad del siglo XX, el renombre que había adquirido el estilo Arts and Crafts resultó abrumador, se dice que formó un gran escudo blindado que hizo que los paisajistas esquivaran la explosión de la energía creativa que produjo el movimiento moderno en la arquitectura y las bellas artes.

Puesto que en el diseño británico de paisaje, la pintura había sido una influencia vital para la conceptualización del jardín por casi dos siglos, es impensable que tan pocos diseñadores miraran con fijeza sobre la pared para ver qué estaba sucediendo con las Bellas Artes . En el resto de Europa y América la respuesta de los diseñadores de jardín al arte moderno fue más rápida. Antes de 1900 Gaudí había demostrado en el Parque Güell en Barcelona que Art Nouveau, entonces conocido en Gran Bretaña como el “modern style”; mostraba su peculiar disposición a ser adaptado a los parques y de jardines, y cerca de 1910, Frank Lloyd Wright en el diseño de la Casa Robie en Chicago había demostrado que las líneas de un edificio moderno se podrían extender para tener control de la disposición del espacio al aire libre. Pero estas fueron excepciones, aunque muy notables, que no dieron pie a una transformación cualitativa en los criterios vigentes en el diseño de paisaje, por lo menos en sus contemporáneos ingleses.

 
Parque Güell en Barcelona, foto de Guillermo Chaves H.
La clase terrateniente acaudalada que comisionó los grandes jardines Arts and Crafts británicos cuyos creadores no demostraron ningún interés por la innovación estilística aun cuando ya este estilo estaba declinando. No hay razón para pensar que los diseñadores de estos jardines mostraran un interés significativo en arte moderno antes de 1925.

La renovación impulsada por las primeras vanguardias
Desde mediados del siglo XIX los pintores salían con sus caballetes a pintar a campo abierto, Este contacto directo con la naturaleza derivó en un conjunto de nuevas formas expresivas y a estilizaciones formales de temas naturales, se concreta también el arte abstracto abriéndose campo en el riguroso y crítico medio artístico, que fueron retomadas en las formas arquitectónicas y de los jardines. Como precedente, el Movimiento Modernista fue atacado por los principales diseñadores el día en que apareció en el horizonte de Inglaterra. En 1916, Thomas Mawson todavía se reía de la “Art  Nouveau manía”; y dio una conferencia sobre, “el ridículo ornamento y el diseño exagerado el cual produjo este culto sobre-entusiasta”. En 1934 Sir Reginald Blomfield escribió un libro completo que atacaba el Movimiento Modernista. Indicó que “nuestra más joven generación, entrenada exclusivamente en nuestras escuelas de arquitectura, está convencida de lo pernicioso de introducir una nueva era en la arquitectura” y vio esto como su leal deber “hacer lo que pueda para rescatar un arte noble de la degradación en la cual parece estar naufragando.”
En otros países europeos y Norteamérica, por lo contrario, surgió como un movimiento cultural diversificado, con puntos de vista encontrados por múltiples visiones pero también con muchas coincidencias. “Lo que tenían en común era la conciencia de lo moderno, cualquiera que fuese el nombre. Los artistas desearon suprimir la distinción entre las artes mayores y las artes menores. Tuvieron como objetivo el unificar todas las artes, centrados alrededor del hombre y su vida.” (Revista TA 39 Maison Tasel)
El Art Noveau resulta fundamental para entender las vanguardias artísticas que emergerían posteriormente: “El papel del ornamento art nouveau en el nacimiento de la abstracción geométrica es más destacado de lo que siempre se le ha reconocido, no en vano el modernismo reivindicaba un arte total.” Dice el crítico de arte Josep Casamartina en su artículo Modernismo y modernidad. Este pensador parece reivindicar el papel de este movimiento como precursor del abstraccionismo que surgiría posteriormente al conceptualizar obras racionalistas, porque aunque el Art Nouveau pueda parecer la antítesis del funcionalismo, se considera la primera manifestación global de la arquitectura moderna. Es cuestión de analizar nuevas formas dadas al hormigón y al hierro que se crearon derivadas de la funcionalidad de estos materiales, con un esplendoroso uso de sus cualidades plásticas.
En Francia surge como una “gran fuerza ideológica imparable” las ideas vanguardistas que serían claves para entender cómo se da la correspondencia entre arte, arquitectura y diseño de paisaje. En París, durante los años veinte y treinta es una época de una transición entre Art Déco y el Movimiento Moderno. Son una referencia la obra de Mallet Stevens y Le Corbusier. También el movimiento constructivista, el cubismo y el neoplasticista holandés De Stijl, con Van Doesburg y Mondrian. Desde la época del cubismo se habla de “estilo abstracto”, que se inspira en la geometría abstracta del arte moderno. Los primeros pintores del siglo XX  se proponen producir un arte nuevo cuyo objetivo era analítico y no figurativo.
La Arquitectura Moderna y el diseño de paisaje que surge paralelo al desarrollo de las nuevas formas arquitectónicas, se caracterizaron por la simplificación de las formas, la ausencia de ornamento y la renuncia consciente a la composición académica clásica, la cual fue sustituida por una estética con referencias coherentes con las tendencias del arte moderno anteriormente enumeradas.


El Movimiento moderno toca particularmente a algunos paisajistas a través de los sólidos planteamientos extraidos de las tendencias surgidas en las primeras décadas del siglo XX. Esta ruptura se adapta imaginativamente renovando la configuración de espacios, creando formas compositivas a partir de nuevos materiales y logrando otras concepciones estéticas. Es con La Carta de Atenas, el más importante manifiesto urbanístico que se consolida una arquitectura y moderno o estilo internacional con alcances mayores. Los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) fundados en 1928 y disueltos en 1959, fue un foro que se proponía discutir acerca la arquitectura moderna, el urbanismo y lo que estaba sucediendo en las ciudades, sobre todo en la posguerra. Esta secuencia de congresos se consolida como instrumentos difusores de las ideas de la arquitectura y el urbanismo modernos en el mundo entero. También resulta fundamental la obra de Jean-Canneel Claes y Christopher Tunnard, quienes impulsaron la conexión entre el arte moderno y el diseño paisajista al por proyectar una visión ambiciosa de la arquitectura del paisaje para el siglo XX a través del AIAJM son las siglas de Association Internationale des Architectes de Jardins Modernistes.
Esta verdadera revolución en el mundo del arte y en el campo de la arquitectura tuvo sus principales desarrollos en la Escuela de la Bauhaus y el denominado Movimiento Moderno vinculado al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (1928-1959)

Los Principios modernos en paisajismo

La relación del diseño de paisaje con las artes plásticas sería irrelevante si no comprendiéramos que se vió mediatizada por las influencias de la gramática vanguardista de la plástica arquitectónica.  La modernidad en el diseño del paisaje se filtra desde su relación con la arquitectura visible en la adopción del lenguaje arquitectónico y la recolocación del sujeto en el lugar. En la arquitectura del paisaje tradicional el papel del ser humano era el de un espectador, desde una nueva perspectiva se tornó en el de un sujeto activo, participante con criterio e inteligencia que debía recomponer el espacio desde ejes, planos y volúmenes a partir de referencias sugeridas por las superficies pluridireccionales y la introducción de usos polifuncionales.

 
http://html.rincondelvago.com/art-nouveau_3.html
http://www.canalsocial.net/GER/ficha_GER.asp?id=3799&cat=arte
http://www.gardenvisit.com/history_theory/library_online_ebooks/tom_turner_english_garden_design/abstract_style_of_garden_design#ixzz0Z3Fm4OTT


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